歡迎來到 2025 年 7 月的好和弦會員作品評論文章！讓我們來聽好和弦會員們的厲害作品，順便一起來學些新東西吧！
歡迎繼續往下閱讀，或按以下各會員的名字，直接跳到該會員的作品：
知芸
知芸這次編了嚴爵的《好的事情》的鋼琴伴奏譜，並且錄了一段彈唱。她說：
這次練習伴奏計算了時間，花了三小時又二十九分鐘，一樣還沒有辦法練到副歌。好奇目前我自己編的樂譜（只有三加一、一點點些微不一樣的節奏變化）目標要多久時間練習完成才是正常的？
之前說的練琴速度問題，我覺得應該是視譜問題、心理問題、跟練習時間還不夠多（？）。
然後關於好和弦的「鋼琴視譜」完全指南，我是把那裡面的 PDF 譜一直照著彈，然後盡量阻止腦袋去想每一顆音是什麼音（除了參考點 剩下靠位置感覺？），是這樣練嗎…..
這是知芸製作的 📝 PDF 樂譜。
以下是她的彈唱錄音：
關於樂譜
先來看看樂譜本身，我覺得整體來說樂譜沒有太多問題，旋律與和聲都有一些跟原曲不同的細節，但都還是可以接受的範圍。不過，還是有一些地方可以改進：
第 5 小節的低音走向：左手第三拍後半才走到 C# 有點怪，應該第三拍就要 C# 比較正常。建議把低音改成 E D C# 而非 E Eb D C#。
第 20-21 小節：Dm 和弦建議用原位，也就是左手彈 D。Dm -> A/C# -> Dm/C -> G/B 的和弦進行，滿建議把 D C# C B 寫在靠近的位置（也就是半音下行），而不要突然從上面的八度跳到下面的八度。
第 29 小節：原曲聽起來像 E 或 E7(#9) 和弦。你的和弦代號是寫 E 沒錯，但鋼琴譜實際的音是 Em。當然，不考慮原曲怎麼寫的話，這邊配 Em 當然是沒問題的。
關於音樂製作
這次你有送交 Logic Pro 專案檔，所以我看得到比較細節的部分。我發現了不少問題：
節拍器
非常明顯的問題：你在 Logic Pro 裡完全沒有使用節拍器！這表示你是完全憑自己的速度感覺來演奏。音樂內容完全沒有對在 Logic Pro 的拍點上。
如果是錄速度非常自由的曲子（例如古典音樂），這樣當然沒問題。但在這種「有固定速度」的流行音樂，我強烈建議要用節拍器，把你的音樂彈在編曲軟體的時間軸上。
不只是這樣可以讓速度穩定，而且你以後編輯、增加其他片段時才不會很痛苦。
鋼琴音色
Logic Pro 內建的舊的 Steinway Grand Piano 既難操控又難聽，可以不要用了。既然你都有 Logic Pro 了，何不用新版的 Studio Piano，聲音好非常非常多，以後換成那個吧！
鋼琴有三軌
我注意到你的鋼琴用了三軌，而且三軌都載入了 Sampler、EQ、Compressor 等效果器。這樣萬一你想要改設定，就要每一軌都改，非常麻煩，而且電腦也要花三倍的處理時間。我們通常不會這樣做。
MIDI Track 的話，一個樂器一軌就好。就算要分好幾段錄音，在 MIDI Track 上重複錄音並不會蓋掉先前的部分。
如果是 Audio Track（像是人聲），分好幾段錄時放在不同 Tracks，就當然是沒問題的。
演奏力度
你的鋼琴全部音符的 MIDI Velocity（力度）幾乎都在一半以下。這代表你彈太輕了，所以只會觸發到鋼琴音色的比較悶的部分。
而且從專案檔可以看到你用的是 Yamaha P 系列的數位鋼琴，這已經是鍵盤偏輕，很容易 Velocity 不小心彈太大的琴。在這樣的琴還可以把 Velocity 彈這麼小，表示你下手真的很輕。
踏板問題
你的鋼琴演奏，有很典型的踏板時機問題。許多鋼琴學生都有這個問題，在之前的會員作品文章中，我也可能在別人的作品中提過好幾次了。
當和弦要用踏板連接時，你要在「新和弦按下的那一刻」放掉踏板，然後過一小段時間後重新踩下。而不是在新和弦前先放踏板，然後踏板與新和弦一起踩下。
容易忘記的話，只要想這個邏輯：如果新和弦還沒按下去，就先把踏板放掉了，聲音不就斷掉了嗎？
請看這篇文章，了解更詳細的踏板時機原理。
唱歌音準
這次人聲走音走得比較嚴重，而且聽起來也是唱得非常輕？有一種躲起來偷偷唱、怕被聽到的感覺？
當然，我自己也很不會唱歌，關於歌唱技巧我沒有太多可以評論的。但你可以用 Logic Pro 的 Flex Pitch 功能把音高修準；平常如果練習唱歌，也可以常常用調音器檢測自己有沒有把音唱準。
我幫你把音修準，並且重彈了鋼琴伴奏，同樣的錄音就可以變成這樣子：
關於練琴
到底要怎麼想？
綜合你上次問我的「練琴應該想什麼」的問題，我覺得你有可能是太糾結「演奏時應該想什麼」的問題了。
我的意思是，你在練琴時，的確應該花一些時間，了解譜上寫的東西是什麼意思，例如「這裡是某某和弦」、「那裡是某某音階」等等。這些理論知識是很重要的。
但你「知道」這些理論知識之後，並不代表在實際演奏時必須強迫自己「即時思考」這些事情。
在實際演奏時，只要能彈出想要的效果，不管你頭腦裡想的是什麼都沒有關係。你可以想當下的手型、身體的感覺、音符看起來的樣子、和弦音階理論，或是等下晚餐要吃什麼。都可以想！不要太糾結這個。
就像平常走路一樣，你可以花時間研究走路的原理，會用到哪個肌肉等等；但真的在走路時，你「就是走而已」，不需要時時刻刻去想「現在右腳提起來、股四頭肌用力、跨出去、腳跟落地」等等的細節。
我練這會不會太久？
不要太擔心練琴時間長或短，因為每次練的東西，當天的身體、心情狀態都不一樣。
有時候你狀態好，一個小時就能有很好的進度；但有時候也可能無法專心，坐著很久什麼都練不出來。這些都是正常的。
練習建議
雖然我沒有真的教過你彈琴，但我的直覺是「你需要多用直覺、不要想太多、不要太怕錯」地彈。
以練習這樣的伴奏譜而言，你可以試試看「小塊小塊、大量重複」地練。例如這樣子：
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開著節拍器，訂個不要太快、頭腦還能反應過來的速度。
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一開始彈第 1-4 小節，不斷重複循環，如果彈錯了也不要馬上停下來，在心裡默默記得就好，在下一個循環時再嘗試修正錯誤。這會訓練你養成順暢彈奏的習慣，不要因為小失誤就太在意、一直停下來。
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以 4/4 拍 80 BPM 的曲子來說，一個四小節循環只要 12 秒，也就是說只要五分鐘就能練 25 次了。通常連續專心地彈 25 次之後（並且每一個循環都嘗試修正錯誤的話），熟練度就會大大提升了。
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接著四小節一組、四小節一組這樣做。
假設你今天只要練 16 小節就好，那麼使用以上的方法，只要 20 分鐘就能夠全部重複 25 次。
20 分鐘後去休息，喝個飲料，回來之後嘗試從頭到尾彈一遍。你會發現雖然還是會有一些錯誤，但整體的順暢度會比練習前好多了。
重點是「以頭腦還能應付的速度練習、不要一直因為小錯停下來、記得自己哪裡會犯錯並在下個重複時修正」。
希望以上的建議對你有幫助囉！
Jalo
Jalo 帶來了他的一首原創作品《Summer Solstice》（夏至），以下是他的來信：
這個月我創作了一首新作品《Summer Solstice》，想向您請教寶貴的指導意見！
目前這首歌仍在 lead sheet 階段，不過我已經寫了一些多聲部的架構。除了希望能獲得您對歌曲本身的建議之外，我也很想請教一些關於編曲的方向——例如，如何讓 Lead 2、3、4 聲部寫得更有完成度，以及和聲（目前為 pad）若要轉移至鍵盤或吉他時，該如何設計比較合適的節奏型等問題。
非常感謝您撥冗閱讀與指導！祝您夏日平安順心！
先來聽聽看 Jalo 附上的音樂。建議你搭配 📝 PDF 樂譜一起使用：
技術細節
Intro 1 段落（大約 1:22 前）
曲子一開頭，我覺得聽起來是舒服的；Ab 大調的主旋律寫得很有正面、溫暖的感覺，的確有夏至的味道。
在第 19 小節低音聲部（Lead 2）進入後，你可能要思考一下：你是要想 Lead 2 成為這時最低的聲部，還是另外再有另一個「真正的」低音聲部？
因為目前 Demo 音樂的狀態是，除了旋律聲部外，還有常駐的弦樂與鋼琴和弦，它們都會演奏當下和弦的低音。如果要有這些和弦聲部的話，就要很注意 Lead 2 音域會不會跟「真正的 Bass」打架的問題。
Intro 2 段落（大約 1:22-2:15）
到了第二段，我發現記譜開始出現許多問題，出現了許多不自然的升降記號。
比方說，第 41-42 小節 Lead 3 寫 B# B Fx Cx E 就非常不自然，應該寫 C B G D E 就好。或者第 44-45 小節，明明和弦代號標了 C 和弦，但兩個聲部的 C 音都記成 B#。還有許多類似這樣的錯誤。
另外，這段是不是要記成 E 大調也可以討論。雖然開頭四個小節（37-40）是 E 大調的內容，但後面就不是了；如果要再繼續用 E 大調調號來記譜也不是不行，但會顯得很不好閱讀。
我是覺得可以考慮中途換調號。如果真的不想換調號，也要用合理的臨時記號來記譜，例如在第 46 小節 Lead 2 的 F G C G C 就不該寫成 E# Fx B# Fx B#。
這段也有一些我覺得很像是錯誤的音，像是第 41-45 小節 Lead 2 的音跟當下的和弦就不太搭配。可能正是因為前面說的記譜雜亂的問題，導致難以閱讀，所以不容易發現錯誤。
跟第一段相同的問題：Lead 2 的音域很低，甚至有時比弦樂和鋼琴和弦還低，這導致 Lead 2 會被聽者誤判成和弦的低音。例如在第 51-53 小節，你意圖的和弦進行是 D# F(add#9) C#m7，但因為 Lead 2 太低的關係，讓這三個和弦完全不像是這三個和弦。
後續段落
在後續段落中，不時會出現聽起來像是錯音的地方。舉例其中的一些：
- 第 85 小節 Lead 1 在 Ab 和弦上拉長音
Db - 第 88 和 92 小節 Lead 4 第四拍在 Eb 和弦上的
Ab音 - 第 114 小節在 Bb 和弦上的
Db音 - 第 118 小節 Lead 4 的音跟當下和弦也沒有很合
整體方向
缺乏「真正的進展」
我覺得以這個作品目前狀態而言，身為一個聽眾，我會覺得整首曲子最大的問題是它沒有「真正的進展」。
雖然你有更換獨奏的樂器組合，中間還有一段是在不同調性，但從曲子一開始一直到 Outro 之前，和聲進行的方式、旋律的寫作、多旋律對位的手法都非常類似且持續。再加上目前的 Demo 都是用同樣的弦樂加鋼琴長音墊底，雖然一開始的聽感不錯，但一兩分鐘之後就會開始感覺疲勞了。
可以考慮一下這首曲子是不是需要這麼長，也許刪除其中一些段落會更好。
小問題累積成大問題
另外，全曲有許多「小小的」和聲問題，它們大部分都很小，就是有個音跟當下和弦不太配合，或是兩條旋律在行進當中，有個地方的音程不是太漂亮。但是「小小的問題」數量滿多的，整體就是有點大的問題了。
建議：大幅減少多聲部篇幅
我其實會推薦你大大減少多聲部的篇幅，我覺得目前多聲部寫作帶來的負面效果可能大於正面效果。
這樣說是因為，多聲部寫作為你製造了許多沒必要的問題。例如前面說的低音域打架、兩條旋律沒有非常配合、有些音卡卡的聽起來像錯音，以及整體聽起來有點「嘮叨」的問題。多聲部造成的複雜性也讓你更難以除錯。
我強烈推薦你讓主旋律好好出來，偶爾使用多聲部技巧點綴就好。
節奏型設計
至於節奏型的話，可能性太多了耶！我不知道你頭腦中想像的成品是如何，很難直接給你明確的建議。
就我自己的直覺，這首曲子如果要以傳統編制（吉他、鋼琴、Bass、鼓）演奏，聽起來可能會像是這個方向：
以上可能完全不是你想要的風格，所以不要太受我影響。你先照自己的方式做做看，再讓我幫你做技術上的調整，才能更符合你想要的感覺。
但我可能會說，以目前作品多聲部對位的密度而言，要在其他聲部設計節奏型會是一大挑戰，因為已經沒有什麼空間了。就有點像是巴赫的三聲部或四聲部賦格，光是多條旋律的節奏就已經超級複雜，很難再安排更多的伴奏聲部進去，而不影響原本多聲部的辨識度。
總結
這首《Summer Solstice》給我的最初聽感很好，有許多寫得很好的旋律片段，但目前受到過多的多聲部複雜性、太長的篇幅以及難以忽視的和聲小問題限制。如果把它變簡單一點，減少錯誤，讓漂亮的旋律能夠更容易被聽眾理解，這就會是一首很好的作品囉！
CKC
CKC 這次重新提交了兩首短作品，另外也問了關於鋼琴練習的問題。先來讀他的來信：
這次交了兩首作品，都是以前交過的。第一首應該是我在成為會員的頭一、兩個月的時候交過的，這一首改了很多。
另外想教一下老師上個月說過的我彈鋼琴的問題。我以前是有跟老師上課的，但我現在還是有很多壞習慣，有可能是那時候的老師沒有察覺到嗎？這樣我反而更不知道應不應該去找真人老師上課。還有就是我這邊學的話，學費也不便宜，如果我還是想先自己練的話，老師你有什麼建議嗎？
作品 1
先來聽聽看 CKC 的第一個作品：
段落一（0:00-0:29）
這首作品的開頭段落，是很單純的 Dm - G 兩個和弦來回切換的進行。我覺得作曲上沒有問題，旋律很不錯，句型也很工整。
音樂製作上整體也都不錯。唯一會讓我注意到的問題是弦樂的部分，我覺得以這段音樂的氣氛來說，選用的弦樂音色似乎太亮了，有點太過突出的感覺。也許可以實驗看看改用大提琴獨奏的音色，看看會不會比較好。
另外，弦樂有些音進來的時機稍微有一點晚，不是太嚴重，但還是不免會注意到。最後四小節，弦樂音量突然大幅縮小，產生了一種「突然不見了」的感覺，特別是在 0:22 處。
段落二（0:29-0:54）
從 0:29 開始加入的長笛（或聽起來像長笛的樂器），音量似乎有點太大聲。這種中頻率很強，但高頻率泛音不強的音色，很容易因為製作者覺得聽不清楚而把音量調得太大。
在第一句的最後一個 Eb 和弦時（大約 0:39 處），因為其他樂器都結束了，剩下唯一一個撥弦樂器，而那個撥弦樂器相對於其他樂器音量又太小，就會顯得突然空洞。
0:41-0:43 明顯是有一個 bug，有某一軌音量超大的東西突然出現，然後又被關掉了。
0:49-0:50 處的和聲很混濁，有 Gb 和 G 音打架的現象。這裡需要確定一下和聲的意圖，問自己「我到底想要寫什麼組合」，到鋼琴上彈彈看，然後清除掉不搭配的音。
段落三（0:54 以後）
這段混合大調小調音階的想法滿有創意的。
作曲上這段沒有太多問題。但與前段相同，我覺得長笛似乎開太大聲，明顯地把其他樂器壓住了。當長笛在句尾一休息時，整個音樂就顯得突然沒有聲音。
作品 1 的總結
整體來說，這是一個簡潔、沒有太多問題的作品。只要音量比例處理得更細緻一點，修掉第二段的幾個 bug，這個應該就不錯了。
作品 2
接下來，我們來聽聽第二個作品：
段落一（0:00-0:21）
作品二的以五個長音和弦作為開場，其中第三個超級不協和。這五個和弦給我的聽感，我不能說我覺得很喜歡或很好聽，就是有某種不舒服的感覺（但很可能正是你想要達成的效果）。
但和弦選擇沒有對錯，純粹是藝術性的決定。如果你是想要製造緊張或不舒服的氛圍，那這樣的和聲選擇也許就算是成功的。
段落二（0:22-1:05）
接下來是一段 F 小調，帶有悲壯感覺的音樂。
第一句（0:22-0:39）我覺得沒有什麼問題，但第二句（0:39 以後）就出現了一些技術性的問題：首先是大鼓的時機常常太早，再來是在 0:54 附近有破音的現象。
當你的每一軌都很用力地演奏時（尤其是可以拉長音的樂器），好幾軌加起來很容易就破音了。
建議你製作時，一開始就把每一軌的音量先關小，而把監聽喇叭的音量開大，這樣才不會做到一半主聲道就開始破音，又要回去調整音量。最後輸出時，記得在主聲道加 Limiter（在 Reason 內建的叫做 MClass Maximizer），來當作防止輸出超過 0 dBFS 的最後一道防線。
我有注意到你的高聲部旋律跟低聲部有卡農的設計，這個很不錯。
這段在作曲上，我覺得沒有「真正」的問題。但這首曲子進行到這裡，會讓我感覺「所有樂器都在用力地拉長音」，完全沒有喘息的空間，聽起來有一點累。長音持續的期間都沒有音量變化，句尾也沒有收輕或呼吸，這也讓它聽起來很像是「用電腦做的」。
段落三（1:05-1:14）
這段的四個和弦在切換時不太乾淨，尤其是第一個和弦換到第二個時，低音處有 E 跟 F 半音衝突的感覺。
另外，這段低音弦樂的每一個音都是「弱起漸強」（但高聲部不會），我覺得這聽起來不太自然，真人演奏者應該會避免這樣做才對。
段落四（1:14 以後）
最後一段是把段落二的主題移到 Ab 小調，並加了三連音的擊樂節奏。我的意見與段落二差不多，同樣有缺乏呼吸感的問題，接近結尾時也有一些破音的現象。
作品 2 的總結
這個作品在作曲上其實沒有什麼問題，結構很明確，發展也很有邏輯。但可能因為主旋律相對簡單，音符密度不高，因此很需要依賴打擊樂器來維持緊湊度。
最主要的問題是缺乏力度變化和句子之間的呼吸，旋律部分產生了「嘶聲力竭拉長音」的疲勞聽感。雖然是有悲壯、Epic 的感覺，但感覺是用盡力氣吼出來的，這是我覺得這首曲子最可以考慮改善的地方。
也許試試看不要讓大家一直都用這麼高的力度演奏。
關於練琴問題
關於彈鋼琴的「壞習慣」，我覺得不見得能夠歸咎於以前的老師身上。因為：
- 有可能他有糾正過你，但你沒完全改掉。
- 或者，壞習慣是在停止上課之後才慢慢形成的。
- 我認為的「壞習慣」，不見得是其他老師認為的壞習慣。（反之亦然）
我會推薦如果「能夠的話」，找一位能信任的老師上課一定會更好。但在你居住地附近，要如何找到這樣的老師，就需要你花時間研究了。
我覺得鋼琴是很難完全靠自己練的，除非你已經很有經驗，很明確知道自己有什麼問題，以及如何改正。
在鋼琴演奏上，會有太多「你不知道你不知道」或「你很難知道這樣對不對」的問題，例如上個月我們提到的踏板時機、踏板跟手的關係、附點節奏的輕重、指法安排、句型、和聲理解的問題，太多了。自己練，當然可能能摸索出一些，但有人指點的話會少走很多彎路。
如果一定要自己練，就是要很有研究精神，去比較自己彈得跟別人彈的有什麼不一樣。不過，這其實還是會有很多問題：
- 許多學生都會聽大師的專輯，並且跟自己比較。但就算這樣做，常常學生認為兩者不一樣的點，並不是實際上不一樣的點。造成差異的原因，很可能是學生「不知道自己不知道」的技術細節。
- 而對於大師的專輯「為什麼」彈成那樣的理解，也常常會出現錯誤。學生常常會錯誤解讀專輯的演奏意圖，只模仿表面的效果（然後模仿得不像）。
- 更別說許多學生的音樂基本能力，例如節奏感和音感，也還不足到能夠有效自我診斷的程度。
所以，老實說，我好像也沒有能讓自己練也能像是有老師教一樣效果的方法。 XD
如果暫時無法找到合適的老師，那麼可能就還是要有進步會比較緩慢的心理準備吧。
77
77 這個月繼續他的從零開始復刻曲子的練習，這次製作的是阿梨粤的《晚風心裡吹》。而上個月送交的《生命有價》也做了改版，他來信寫：
老師您好！我根據你的建議修改了一下，請問還有什麼可以儘量還原的地方嗎？
還有新做了一首 copy，也是想知道有什麼可以改進的地方。
我還有個問題：在 Logic Pro X 的聲相位置旋鈕按鼠標右鍵，能選「立體聲聲相」還是「平衡的聲相」。請問這兩個選項有什麼區別呢，能解釋一下嗎？我現在全部都設置成立體聲聲相，或者什麼情況下應該怎麼選擇，謝謝。
《晚風心裡吹》
你可以先到 YouTube 聽聽看《晚風心裡吹》的原曲。（YouTube 連結）
以下是 77 做的伴奏部分復刻版：
前奏（0:00-0:23）
我覺得做得很好呀！沒有感受到什麼真正的問題。
原曲的前四小節只有吉他（聽起來像是真吉他的錄音），你選擇做成電鋼琴加吉他，我覺得這樣也 OK。
吉他的分解和弦聽起來沒有原版好，但 MIDI 吉他本來就很難聽起來很真實。如果要改進的話，可能要更細緻地調整力度變化，以及減少過度量化（quantized）、拍子太準的感覺。（原曲的吉他錄音有一些刷弦技巧，如果把拍子都對準的話就失去那種效果了）
另外在段落轉換時，你遺漏了一些打擊樂器：弦樂進來之前，原版有個鈸的滾奏（cymbal roll），在你的版本沒有。進入下一段前，原版還有風鈴（Wind Chimes）的聲音，你的版本中也沒有。缺少這些細節的話，可能會讓段落轉換時顯得比較突兀。
其他我覺得都很好。
主歌到副歌（0:23-1:25）
我覺得你 copy 得非常精準，幾乎沒有什麼好抱怨的。
鼓組的音色我覺得雖然偏亮，但效果也不會不好。原版在副歌時，會有鈴鼓疊加在小鼓上，在你的版本沒有，可以把這個細節加進去。
這曲子的弦樂部分其實不容易抓，但我覺得你弄得滿好的。
你選用的 Bass 音色是音符開頭很明顯的、比較亮的、很像是 Picked Bass（撥片彈奏的 Bass）的音色，我覺得可以考慮換成比較低沉、溫暖的 Fingered Bass（用手指撥弦的 Bass），會比較像是原版。
接近副歌結尾時（1:22），我覺得原版其實有個和弦 bug。樂團演奏的是 E 和弦，其中有 G#4 音，但主唱唱的是 B3 G3；這裡的 G3 跟 G#4 音有點打架。而你則是用了 E7(b9, b13) 和弦，我覺得也合理，但如果加回主旋律還是會有同樣的 bug。我建議這裡可能要寫成 Em 會更好。
間奏（1:25-1:40）
我會覺得這裡原版的鋼琴不像純鋼琴，它可能有疊加一個電鋼琴音色，可以加加看。
同樣地，這段弦樂進入前也有個鈸的滾奏（cymbal roll），在你的版本中沒有。
後續的弦樂部分有一些快速的音。許多弦樂合奏音色的取樣開頭都很慢，聲音會「慢慢出來」，沒有辦法清晰地應付快速音群。遇到這種情況時，可以另外疊加一個能夠聽得清楚快速音群的音色進來。仔細觀察原版的話，你也可以發現在快速音群出現時，它多疊加了一個之前沒有出現過的音色。
後續（1:40-）
接下來幾乎就都是前面材料的重複了。
接近結尾時，原版這次寫成了 Em 和弦，沒有重複 1:22 時的和聲問題。而你的版本則是混雜了 G 和 G# 音，聽起來就不太對了。解決方法很簡單，直接把 G# 拿掉，讓它變成 Em 和弦就好了。
Outro 的最後三個和弦應該是 Esus E Am，而非 Asus2 E Am。
《晚風心裡吹》的總結
我覺得你已經做得很好，Copy 得至少有 87 分像了。
混音上，我覺得弦樂稍微有點太大聲。當然，現在還沒有加入主唱，本來就會影響到你的混音判斷，所以目前這不是太大的問題。
只要找到更適合的音色、細節修一下、加入一些過渡功能的打擊樂器，這個就會是非常好的作品囉。
《生命有價》
來聽聽 77 上個月做的《生命有價》，修改版：
首先，我覺得換過音色之後，比上個月的版本好非常多！接下來來說一些其他的問題：
Bass 音的問題
最明顯的問題是，整首曲子每當有 G - G/B - C 這個和弦進行時，你在 G/B 時的 Bass 都幾乎都彈錯成 C。（應該要是 B 才對）
Bass 在其他地方也偶爾也有不合理的音。例如 0:31 處應該是 F/A 和弦，Bass 應該要圍繞在 A 音上活動，但卻常常在正拍出現不合理的 Bb 音。
我覺得 0:52 處 Bass 聽起來不準，檢查看看有沒有什麼技術問題。
遇到原版 Bass 音不容易聽清楚的情況時，我的建議是利用理論知識來推論最合理的音，而不要寫「好像有聽到，但卻不太確定」的音。
銅管音色
原曲有銅管插入句時，用的都是銅管合奏（Brass Section）音色，你的版本比較像獨奏音色（如 0:27 處），可以換掉試試看。
複雜段落的處理策略
0:54 開始的這段，有許多和弦不對的音。
原版在這個段落的編曲，各聲部都變得比較間歇性出現，而且 Bass 音的選擇也比較自由，導致於更難聽清楚每個樂器演奏了什麼音。
如果你只是嘗試去抓每一個音，而沒有先確定「現在到底大方向是什麼和弦」的話，你一定會抓到一些錯的音，結果就是聽起來不合理。
而且我發現在這段你似乎不太敢使用中音域的樂器（例如鋼琴和弦），可能也是因為不確定要彈什麼音。
我的建議跟前面一樣，遇到無法確定原版實際演奏的每一個音的情況時，就利用理論知識來補入最合理的音就可以了。
這段原版的和弦是：
A | Dm | Gm7 G/B | C9sus C
Bbmaj7 C7/Bb | Am Dm | Gm F/A Bbmaj7 C9sus | Db | C9sus
有了清楚的和弦架構，就可以有信心地填入合理的音，即使結果跟原版不完全相同，但和聲聽起來會是正確的。
其他
1:26 有明顯的錯音，似乎是 F 和 F# 卡在了一起。
1:28 以及之後感覺都還沒完全完成，就不多做評論了。
Logic Pro X 的 Pan 旋鈕問題
在 Logic Pro X 中，對那個調整左右方位的旋鈕按右鍵，可以選擇「Stereo Pan」和「Balance」模式，這有什麼差？
Balance 模式：只是單純的音量控制。當旋鈕轉到最左邊，就是把右耳的音量關掉；轉到最右邊，就是把左耳的音量關掉。不管怎麼轉，原本在其中一耳的聲音都不會「移動」到另一耳去，只是原地調整音量大小而已。
Stereo Pan 模式：可以重新安排左右聲道的位置，並調整兩聲道間的方位距離（寬度）。當旋鈕轉到最左邊並且寬度調到最窄時，原本的右聲道會完全被搬到左邊。
所以選用的簡單邏輯是看你「想不想把原本在一邊的聲音，搬到另外一邊去」。如果不要，就用 Balance 模式；如果要，就用 Stereo Pan 模式。
感謝閱讀
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