歡迎來到 2025 年 5 月的好和弦會員作品評論文章！讓我們來聽好和弦會員們的厲害作品，順便一起來學些新東西吧！
歡迎繼續往下閱讀，或按以下各會員的名字，直接跳到該會員的作品：
知芸
知芸這次提交的是她編曲的《可惜沒如果》這首歌的鋼琴伴奏譜。先來看看知芸的來信：
根據之前說的，不確定右手「同一個形狀上下平行移動」的定義，所以這次在 1+3 伴奏（指左手彈一個音、右手三個音）中，我在同一個和弦內嘗試用「我認為的不同形狀」，但又之前說的是在不同和弦進行中的狀況，不知道若同一個和弦內這樣用行不行。
第十二小節 G/B 和弦，在用 1+3 時音域因為超過
A4，所以左手我用了「左手彈完低音後往上琶音」，但我這樣用是對的嗎？要怎麼琶比較好？在用八分音符伴奏時，如第十九小節的 Am（
A C E），我會決定要先用A E C E還是A C E C還是其他各種組合，有的聽起來明顯不搭，有的覺得可以，有的自己也聽不出來好像可以？決定組合後，再考慮雙音要加哪顆音才好，也是有的聽起來不確定是不是很搭。這樣決定配置的過程是對的嗎？還是八分音符伴奏中有特定的公式框架來決定怎麼組合？
按這個連結下載知芸製作的 📝 PDF 樂譜。
以下是由 MuseScore 輸出的聲音檔案，建議你配著以上的 PDF 樂譜聽聽看：
同一個形狀上下平行移動
先回答你的第一個問題。
「右手同一個形狀上下平行移動」就是字面上的意思。讓我舉個例子說明一下。
假設我們有 C Em F G 這個和弦進行，而我們把右手部分寫成全部都是一樣的間隔，並且還跟左手的低音是完全同方向地移動，這樣聽起來就會很呆板。像是以下譜例的樣子：
對初學者而言，我會建議一個比較保守但效果不錯的寫法，那就是將右手維持在附近的音域內。這樣就順暢多了。像是以下譜例這樣子：
注意剛才的譜例中，Em 到 F 和弦的時候，右手其實也是同形狀平行移動的，只要不要「一直連續這樣做」我覺得就不是很大的問題。
當然，像你這次使用的「同一個和弦內就用超過一個右手位置」的寫法，也是一個避免呆板的很好的手段。像以下譜例這樣寫也很不錯：
音域規則
第二個問題。第 12 節（上圖底色處）的寫法沒有問題喔！
在 1+3 配置（指左手彈一個音、右手三個音）中，我常建議初學者把右手音域維持在 Eb3 到 A4 之間，純粹是因為這樣比較安全。不會太低造成低音混濁，也不會太高造成單薄。
但這不是嚴格的規則，只是一個參考範圍而已；只要你覺得聲音是自己喜歡的，當然還是可以寫超出音域。
左手往上的琶音也沒有問題。事實上，你發現右手音域偏高，而讓左手往上補，是一個不錯的考量。用原本的 B2 D3 G3 沒有問題，如果覺得 B2 D3 這兩個音太靠近，也可以試試看 B2 G3 B3。
怎麼決定配置？
第三個問題。
以你作品的第 19 小節為例，當你已經確定和弦是 Am，也確定音型大約就是雙音跟單音交替，其實可能性並沒有太多，可以每一種組合都試試看，看覺得哪一個最喜歡。：
以上是其中三種可能的組合，這些組合都可以用，你目前的選擇也沒有問題。
至於說「聽起來搭不搭」的問題，影響的因素很多：當下的旋律音是什麼、是不是剛好有某個拍點有兩個不適合的音碰在一起，或甚至演奏者的彈法都會有影響。
這有沒有公式？
我注意到你在來信中常常提到害怕自己「寫錯」，或想要有「公式」可以遵循，這當然沒有問題。公式的確可以幫助你避開許多初學者錯誤，甚至幫你找到「大家測試過覺得可以用」的組合。但最終，你還是要選擇「你覺得最好聽的選項」。
盡量不要用「公式」來替代「品味」。就像找工作一樣，長輩可能會跟你說做這個、做那個比較有前途，但還是要你自己喜歡做才行。否則即使賺到了錢，你也不會開心。
如果真的對自己目前的「品味」沒有信心（也就是「會不會只有我覺得這樣好聽，但其實大部分人覺得這根本就是寫壞掉？」的想法），也可以問問看其他你信任的人（或像這樣投稿到好和弦網站上）。
對於作品的具體建議
我覺得整體來說，你的作品已經是一份可以正常使用的樂譜了，我沒有看到非常大的問題。以下是一些細節建議。
第 5 小節：我覺得在同一個和弦用超過一個右手配置是滿不錯的！你還可以更進一步多實驗一下順序，或甚至試試看在不規則的時機換配置。
第 17 小節：換成八分音符伴奏的時機聽起來很合理。
第 20 小節：左手有記譜錯誤，應該要每一拍有一個符槓（beam），而且左手的音跟右手重疊了。另外，第四拍如果想要一個只有一拍的和弦，還是比較推薦把音比較密集的區域放在中音域而非低音域。
第 24 小節：第四拍的寫法，演奏起來可能會不太自然，而且低音有一點點擠，雖然這樣寫並沒有不可以。
第 35 小節及附近：左手 A E A E B E C E 的音型設計很不錯呀，有多了一層 A B C 中音旋律的感覺。另外，如果有雙音或和弦要連結線的話，有幾個音就要畫幾條連結線喔！
第 55 小節：左手應該是 Bb 而非 B。另外，Bb7 和弦如果缺了 Ab 音就不成 Bb7 了，可以試試看 Bb + Ab D F 這個配置。
第 69 小節：主旋律第三、四拍的休止符可以合併（下圖底色處）；另外第三拍的 A 忘記寫降記號（下圖箭頭處）。多利用 MuseScore 的播放功能來檢查錯誤，記得我上個月的建議，把「自動和弦代號播放」功能關掉，來確保聽到的都是自己寫的音符。
下一步的挑戰
這三個月看你的作品，我覺得一直都有進步！恭喜你！
我們目前都是在 MuseScore 裡面創作，這是很好的開始；我覺得接下來你可以開始挑戰把自己寫的譜實際表演出來了。因為要寫出好的鋼琴譜，一定要自己能夠彈才行，有許多事情是要在鍵盤上實際測試才能感覺到的。
關於下次的挑戰：
- 你可以嘗試自彈自唱
- 如果覺得自彈自唱很難的話，可以把鋼琴和人聲分開錄，先錄鋼琴伴奏，再錄人聲
- 不想唱歌的話，也可以用鋼琴代替人聲部分
- 下次可以同時提交樂譜和演奏影片，這樣就可以同時討論編曲和演奏的問題
或者，如果下次你要直接交一個鋼琴演奏影片，演奏別人寫的曲子，我們專門聊鋼琴也可以喔！
77
77 這次提交的是四個 Drum ’n Bass 風格的小片段。他來信寫：
老師您好，這是我的五月份的作品，全都是一些 drop 的 demo。
我根據你上個月的建議，我也試過按照參考曲目來把 intro 和 build up 都補上了，但是感覺這些結構部分都不難，就一直想著先做一個很完美的 drop。但是今天的 drop demo 做完之後，看了一堆教程的視頻教學，就又想著再做一個更好的，然後就無限循環做 drop🥲，就被困在小 demo 裡。
分析曲目可以分析一下Unglued的Take Me Under嗎？想知道他的音色設計和偶爾穿插的人聲採樣，非常喜歡這首。
還有我每次我在電腦做完在手機插蘋果的耳機聽的時候就會發現巨悶無比，但是做的時候感覺剛剛好，這是我的電腦的耳機的問題嗎？
先來聽 77 提交的四個音樂片段：
聲音好，但需要變化與發展
先來聊你提交的四個片段。
片段一的 Bass 立體聲處理感覺很不錯，片段二和三都有兩個和弦交替的設計，片段四相較於其他片段稍微單調一些。
整體而言，我覺得四個片段的聲音處理都滿好的：不會太尖銳或太悶，沒有聽到很大的混音問題，輸出檔案的音量上也都很合宜。音色選擇上，我覺得也都有比之前的作品更進步。
但我覺得這些片段最大的弱點還是在於它們都沒什麼變化、沒什麼發展：
- 它們都是一開始的時候設定了一個狀態，例如某種配器組合、某種 drum loop、某些音效等等，然後整個片段就一直保持這個狀態
- drum loop 沒有任何的過門或 filter 變化
- 節奏上大多呈現「持續填滿」的狀態，缺乏能讓人留下印象的節奏變化
- 大多沒有令人有印象的旋律或和聲進行重點
- 缺乏前後文脈絡
所以即使這些段落單獨聽起來聲音還不錯，但總是覺得內容單薄，缺乏足夠的資訊，因此聽眾會比較難享受它們。
「完美的 drop」
從你的來信中，看得出你陷入了「尋找完美 drop」的循環中，不斷地製作像是這樣的音樂小片段，希望能做出一個覺得完美的 drop。
但我想要提醒你的是：音樂是看整體的。
就像我們不能執著於穿一件「完美的上衣」而不穿褲子是一樣的，上衣完不完美其實還是要看整體的搭配而定。一首作品還是需要有起承轉合，需要有各個部分的關係和過渡。
既然你已經可以把一個段落做得聲音不錯，那麼你現在需要的只是一個曲子發展的藍圖和流程。只要可以把聲音不錯的片段良好地串連起來，就是一首完整、有意義的作品了。
Unglued - Take Me Under 結構分析
為了幫助你理解一首曲子的整體結構和發展，我們就來分析一下你喜歡的這首 Unglued 的《Take Me Under》（YouTube 連結）吧！
- 第 1-8 小節：短促的 Em 和弦，一些人聲短取樣，配上 Drum loop。
- 第 9-16 小節：跟前一個 loop 很像，但多了一些音效。
- 第 17-24 小節：主唱正式進入。在 loop 的第八小節有 Gm 和 F#m 和弦。
- 第 25-32 小節：主旋律的後半句。Gm F#m Em 和弦出現的頻率變高。注意 loop 的第五小節後，鼓節奏改變且加了 high-pass filter 效果。
- 第 33-40 小節：進入 Bass 為主角的段落，同時用前個 loop 的主唱結尾來做 delay 效果當作背景。這個 loop 的短促和弦只有 Em（除了第八小節外）。
- 第 41-48 小節：配器幾乎同前個 loop，但短促和弦加入了 Gm F#m Em 的進行。第七小節開始鼓節奏改變 + high-pass。
- 第 49-56 小節：出現了新元素——聽起來像
B3音高的合成器音效，以及E4附近的十六分音符合成器聲部。Bass 旋律跟第 33-40 小節相同。 - 第 57-64 小節：Bass 比前個 loop 低了八度。第五小節開始 drum loop 加入 bit crush 效果，改變了節奏並且 high-pass 來當作過門。
- 第 65-72 小節：人聲主旋律再次進入。跟第 17-24 小節的狀態很像，但 drum loop 不一樣，Bass 聲部也有些不同。
- 第 73-80 小節：主旋律的後半句。跟第 25-32 小節的狀態很像，但同樣在 drum loop 和 Bass 聲部上做了些微變化。
- 第 81-88 小節：第 49 小節的合成器聲音再次出現。
- 第 89-96 小節：跟前一個 loop 結構類似，但第五小節開始 drum loop 有 bit crush 效果，改變了節奏並且 high-pass 來當作過門（類似第 61-64 小節）。
- 第 97-104 小節：如果再重複就太無聊了吧？所以給你一個從未出現過的新人聲旋律！
- 第 105-112 小節：從未出現過的新人聲旋律後半句，繼續發展新的主題。
- 第 113-120 小節：回到幾乎跟第 33-40 小節一樣的狀態，但人聲取樣不同。
- 第 121-128 小節：很像第 41-48 小節一樣，但人聲取樣不同。鼓過門提早到第五小節。
- 第 129-136 小節：很像第 49-56 小節，只有細節不同。
- 第 137-144 小節：很像第 57-64 小節，但 Bass 沒有低八度。
- 第 145-152 小節：人聲主旋律再現。跟第 65-72 小節幾乎相同，首尾呼應。
- 第 153 小節到結尾：跟第 73-80 小節幾乎相同。
從分析中學習
從《Take Me Under》的分析中，我們可以發現一些值得學習的重點：
- 8 小節 loop：這首歌的句型很工整，從頭到尾都是 8 小節一句，沒有例外。如果不確定每段該多長，建議你先從 2、4、8、16 等等的「2 的 n 次方」小節數開始。
- 相似但不同：有許多段落乍看之下很像，但仔細聽會發現在配器、和弦、節奏或音效上有細微但重要的變化。這種「熟悉中帶著新鮮感」的設計會讓聽眾保持興趣。
- 過門很重要：許多 8 小節的後半部分（常常是第 5-8 小節，有時是第 7-8 小節）都有刻意設計的過門效果，例如 drum loop 節奏變化、high-pass filter、bit crush 等等，為接入下一個段落作準備。
- 元素輪流用：人聲旋律、Bass 旋律、特定的合成器音色並不是一次全部用下去，而是在整首歌的不同段落、用不同的搭配輪流出現。
這首歌看似是一個從頭到尾都停在 Em 和弦上的一系列 8 小節 loop，但實際上每個 loop 之間都有關聯和變化，形成了一個聽眾可以從頭到尾享受、覺得有意義、不煩躁的整體。特別推薦你把它的鼓過門設計和 high-pass filter 的使用學起來！
關於播放設備
關於你提到的「在手機插蘋果的耳機聽，會巨悶無比」的問題，以你提交的檔案來說，我沒有感覺特別悶，所以應該不需要太擔心。
每一個播放設備的特性都不同，所以「了解手上的設備」很重要。建議用你的各種設備來播放一些「已知聲音很好」的專輯，去感受所謂的「好聲音」，在這個裝置上聽起來是怎麼樣。
別太在意不同裝置之間的差異，反而要注意「同一裝置上」，自己作品和其他專業作品聽起來的差異。作品在蘋果耳機上會悶不是問題，但如果別人的作品都不會悶，只有自己的會，那就是需要調整了。
下一步
這次試試看，參考《Take Me Under》的藍圖，把其中一個你的 demo 發展成完整樂曲吧！
寫一些可以貫穿全曲的元素（像是《Take Me Under》的短促和弦）或主旋律，讓它們在不同段落中以各種形式出現；為每個 loop 設計一點細微的變化；注意每個 loop 的後半是如何接到下個 loop，學習參考曲的過門技巧。
希望以上的建議有幫助到你，期待聽到你的完整作品！
Jalo
Jalo 一次送交了三首作品，先來讀一下他詳細的來信：
本月我想請教您對我三首作品的評論與寶貴建議。我正在創作原創音樂，也在探索自己喜歡的音樂風格。
附件的 Intro 是一首器樂曲（Lead Sheet 版本），我計畫把它放在專輯開場，靈感來自我對夏日日落時分的感受。〈Girl on a Motorbike〉和〈Love Game〉則是兩首預定由人聲演唱的歌曲，當中的鋼琴旋律即為人聲旋律（我同時附上了歌詞，盼能更好地對照音樂情緒）。
我非常期待聽到老師對音樂本身的評論與想法！另外，在創作過程中我有以下幾個問題想請教 Wiwi 老師：
打擊樂寫作
我沒有學過鼓，完成 Lead Sheet 的旋律與和聲後，常不知道該如何加入鼓組以更好地烘托情緒。Solo 樂段寫作
在〈Girl on a Motorbike〉與〈Love Game〉裡，我都放入大量器樂 solo，但不太確定如何貼合樂器本身的特性來寫作。像〈Girl on a Motorbike〉後半段，我拿捏不定用鍵盤還是吉他 solo 較佳，結果旋律雖然好聽卻少了衝擊力，不夠「爽」。後續編曲問題
我使用 Logic Pro 製作，卻常找不到想要的音色。合成器方面我正學習 Serum；吉他部分（我是吉他手）則偏好調好效果後直接在 Logic Pro 錄音訊，而 MIDI 軟體樂器的音色常不易調整，導致 MIDI 階段受阻。風格化問題
我期望作品是 Alternative/Indie-rock 風格，特別喜歡 Shoegaze/Dream-pop 中大量吉他音牆的運用（但這類風格的和弦與編曲往往稍嫌單調重複）。我想實現如交響樂般具「色彩感」的音響。從 Lead Sheet 走到實際編曲與配器時，我仍覺得自己的編曲「不好聽」（下個月可寄送部分工程檔給您參考），要把音響寫得飽滿確實不易。
Jalo 的原始來信中，每首歌都附上了 Lead Sheet、總譜、MIDI、MP3 和預定歌詞。因為檔案很多，所以我在這邊只放上聲音檔案和總譜。
《Intro》（📝 PDF 樂譜）
《Girl on a Motorbike》（📝 PDF 樂譜）
《Love Game》（📝 PDF 樂譜）
因為提交的作品非常長，比較難每一個細節都講（下次建議可以提交一首就好），所以我今天先嘗試給你一些比較廣泛、通用的建議。
《Intro》
你的《Intro》的確很有「專輯開場曲」、「接下來有一個很長的旅程」的感覺，我也可以在其中感受到夏日日落的靈感。
第一眼就會看到的是記譜問題。雖然你最終要產出的成品可能是錄音而非五線譜，但既然你提交了樂譜，我就還是說一下建議：
- 幾乎沒人會在和弦代號上用重降記號，像是 Bbbmaj7 或 Ebb；這兩個地方其實寫 Amaj7 和 D 就好。
- 音符也是相同的道理，與其寫
Bbb Ab Db Fb這樣超難閱讀的組合，不如寫A G# C# E比較好。即使目前是在降記號的調性也沒關係，如果寫升記號比較好閱讀，就用升記號沒關係的。 - 不要總是依賴打譜軟體決定升降記號，目前的打譜軟體都還不夠聰明，無法從上下文判斷最適合的升降記號標記方式。選擇自己覺得最容易閱讀的那一種就好！
- 通常鋼琴譜會用兩行：一行高音譜號、一行低音譜號。
作品中有幾處讓我覺得和弦卡卡的地方（不見得算是錯誤，只是我個人覺得不順），例如：
- 第 7 小節：D 和弦上主旋律第一拍放
Eb，我覺得沒有很順 - 第 23 小節：主旋律拉長的
Gb，在經過後續的 Ab 和 Bbm 和弦時我覺得不太順 - 第 30 小節：主旋律
C音停在了Cb和弦上
另外，我注意到這首曲子到了後半開始有越來越多「不在正拍上換和弦」的寫法，這可能導致聽眾越來越跟不上拍子在哪裡。到了最後幾小節，我會覺得幾乎沒有辦法辨識拍子了，聽起來像是「長度不明且隨機」的音符接續出現而已。
當然，這只是根據目前看到的部分來說。也許你心中已經預想之後會加入什麼元素（比如明確的鼓節奏或其他聲部），可能會改善這個問題。
《Girl on a Motorbike》和《Love Game》
這兩首歌曲都有獨特的氛圍跟不錯的創意，但我覺得它們有一些共同的問題：
- 重複性過高：段落之間雖然有一些變化，但缺乏足夠的對比，導致聽眾可能會在聽了一陣子之後開始恍神，甚至感到不耐煩。
- 伴奏形態單一：兩首曲子都是從頭到尾維持同一種伴奏形態（至少，以目前的狀態來說）。《Girl on a Motorbike》是八分音符的吉他刷弦，《Love Game》則都是長音和弦。如果能在某些段落給我們不一樣的節奏型、音域、配器等等的，會讓聽眾更有新鮮感。
- 和聲變化不足：雖然每個段落的和弦有些不同，但大多都只是在同一個調性內的自然和弦中，更換排列組合而已。這本身並不是一個問題，但配上我要說的下一點，就會變成一個問題了。
- 缺乏清晰的樂句結構：這是我認為最重要的問題！這兩首曲子都很缺乏「聽眾容易跟上的章法」；換句話說，就是樂句長度和曲式結構不夠明確。
關於結構
傳統上，最常見（所以聽眾也最好理解的）句子或段落長度是「2 的 n 次方」小節，也就是 2、4、8、16、32 小節等等。當你的段落長度很工整的時候，聽眾會比較容易跟上你的音樂，他們會直覺地感受到「喔，這是一段」、「哇，我們來到下一段了」等等的段落感。
但如果你這句是六小節，下一句是九小節，再來一句五小節，而且沒有明顯的線索（例如鼓過門或明確的和弦終止）讓人知道段落轉換，聽眾很快就會迷失方向了。
以《Girl on a Motorbike》為例，前半段還可以感知到 8 小節的循環和弦進行。但到了後半段（大概 100 多小節之後），我就完全迷失了。後半段聽起來很像每小節用亂數決定一個 D 大調的相關和弦，一直不斷地接下去，讓人不知道一句結束再哪裡，下一句開頭再哪裡，也不知道該期待這樣相似的音樂還要持續多久。
雖然如果只聚焦在每個單獨小節，旋律跟和弦都沒有「不好聽」，但從大方向來看，會讓人覺得音樂一直在無限迴圈，容易失去耐心。
也許加上人聲和歌詞之後，這樣的感覺會改善一點，但如果能從曲式結構上調整，效果應該還是會好很多。
從古至今，有很多音樂都有遵循一套「曲式」結構，正是因為這個原因。古典音樂有奏鳴曲式、兩段式、三段式、輪旋曲式；現代音樂有 12 小節藍調、AABA 曲式、Verse-chorus 曲式等等。
這些結構都是讓聽眾能建立期待，「跟上你的音樂」的好工具。我會推薦你至少把曲子的句子長度修得更工整一點。如果想要在某些地方刻意不工整，也要給聽眾足夠的線索，讓他們能理解「這裡是刻意不工整的」。
關於鼓組
接下來回答你來信中的問題。
對於沒學過鼓的創作者來說（我也是），鼓組的確是一個挑戰。以下是幾個解決方案：
- 自動工具：逃避問題的最快速方式！既然你用 Logic Pro X 的話，內建的 Drummer 就是一個還不錯的鼓節奏產生器。選擇一個虛擬鼓手，簡單地調一下參數，你就有一個能用的爵士鼓聲軌了。
- 素材庫：使用像是 Splice 之類的音色庫，也是取得鼓節奏的好方法。這個方法需要比較費時的編輯、剪貼，但可以得到比 Drummer 更人性化的演奏。
- 長期解決方案：最好的解決方式還是開始練鍵盤鼓，好和弦有幾個影片可以幫助你快速入門，請看這個播放清單。你也可以看一些鼓的教學書和影片，了解一下真的鼓手在做什麼。有了基礎之後，就分析你喜歡的歌曲中的鼓部分，嘗試模仿和重建。
Solo 樂段寫作
關於《Girl on a Motorbike》中的 Solo，我覺得你寫的東西看起來就像吉他 Solo 而不像鋼琴 Solo 呀！
我覺得你說的「不夠爽」的問題，可能並不是因為不夠貼合樂器特性，而是前面提到的整體樂曲太過單調、相似且段落不明確的問題造成的。
既然你的主要樂器是吉他，我強烈推薦你多使用這個你最熟悉的樂器。你看，像我這個不會彈吉他的人，要做出逼真的吉他是超難的耶；所以你要盡量發揮吉他手的優勢，讓吉他成為作品的亮點。
MIDI 問題
你說你想要 Alternative/Indie-rock 風格，這個風格其實不需要很依賴 MIDI 呀！你其實只需要幾個核心元素就夠了：
- Bass（Logic Pro X 內建的就很好用）
- 鋼琴和電鋼琴（Logic Pro X 內建的就很強了）
- 鼓組（Logic Pro X 內建的勉強還行）
- 吉他（你有真的吉他，錄音訊即可，連效果器一起錄也沒問題）
我會建議你先不要過於糾結科技和音色的問題，因為你現在的瓶頸不在那裡。先把旋律、和弦、節奏、曲式結構弄好，曲子自然就好聽！
風格化問題
一開始編曲時，切忌把編制弄得太複雜；軌數越多，出問題的可能就越多，debug 的難度越高。而且，並不是軌數越多，聽起來就會越「豐富」或「飽滿」，更多的情況下是會聽起來更混亂。
我建議你在初期作品中，把軌數限制在一定數量以下，我覺得 8 軌是一個不錯的目標。也許這樣分配：
- 主唱 x 1
- 吉他 x 3
- 鋼琴或電鋼琴 x 1
- Bass x 1
- 鼓組 x 1
- 合成器、特殊音效 x 1
編曲時，把自己想像成一個要現場演出的樂團，而不是「在電腦上做音樂」的製作人。這個思維會讓你更專注在音樂表演上面，而不是迷失在各種軟體的選單中。
希望以上的建議對你有幫助，期待你下次的作品！下次建議你交一首作品就好，因為專案檔不一定能打開，我會建議你除了成品之外，也輸出所有的單軌成 .wav 檔案，壓縮在一起給我喔！
CKC
這次 CKC 送交的是他演奏貝多芬《悲愴奏鳴曲》第一樂章的兩個影片片段。先來讀他的來信：
這次交了練習《悲愴奏鳴曲》的影片。
不好意思，因為我是用數位鋼琴和手機拍攝，所以音質比較差。
另外想請問錄製數位鋼琴的時候應該怎樣比較好呢？我現在住的地方比較不方便把琴調到最大聲。我有嘗試用 audio interface 錄音，但不知為什麼有很多雜音，有什麼解決辦法嗎？
我們先來看 CKC 的第一個演奏片段：
這是我第一次看你彈鋼琴，所以想先給你一些我認為最能讓你有顯著改善的通用建議，而不是特別專注在這一首貝多芬奏鳴曲的細節上。這些建議適用於任何曲子，只要能改善其中一項，你的演奏就會有很大的進步喔！
節奏不精確
最明顯、最需要優先解決的問題是節奏不精確。
我注意到在許多比較長的音符上，常常停留的時間都不夠久，這會讓聽眾有一種「彈琴的人其實不知道這個音是幾拍」的感覺。回想在你之前的編曲作品中，我也常常提到節奏上的問題，而同樣的問題也反映在鋼琴演奏上。
解決方式其實很簡單，就是你需要「100% 了解」每一個音符佔的時間長度到底有多久。
這聽起來像是非常基本的事情，但很多鋼琴學生都不會做到這一點！許多學生對於音符長度只有一個模糊的印象：「這個音比較長，那個音比較短……」或者他們曾經聽過別人彈，所以腦海中有個大概的聲音，但從來沒有搞清楚過每個音符「精確」到底是幾拍。
我一直認為，在音樂中，「正確的節奏」遠遠比「正確的音」更重要，千萬不可以懶得算拍子！
標上拍子，對節拍器，邊彈邊唸
以這首《悲愴奏鳴曲》第一樂章的開頭為例，因為速度很慢，又有許多時值很小的音符，我會建議你用比較小的單位來數拍子，例如用八分音符當作基本單位。
這樣一來，每個小節就會有八個時間單位。我通常喜歡叫學生在樂譜上，用中文數字「一二三四五六七八」把每個時間單位標示出來。（用中文的原因，是要避免與阿拉伯數字的指法標記混淆）
我必須要再次強調，彈奏時你要「100% 清楚」每一個音是落在第幾個時間單位，不可以有任何一個「不確定、大概、好像憑印象」的地方。在譜上完成這個功課後，對著節拍器，一邊彈一邊把數字唸出來，確定自己完全把譜上的節奏釐清。
速度不一致的問題
我注意到在第五小節之後，因為左手有了比較固定的十六分音符伴奏，所以你的速度才稍微穩定了一點。但是第五小節的速度，跟最一開始時已經有很大的差距了。
那多半是因為當你最一開始彈的時候，頭腦根本沒有預先想好要彈多快，也很可能沒有在心裡數預備拍。我會建議你在開始彈第一小節之前，先在心中想一下你在第五小節要彈多快（先哼一兩拍），確定速度之後，再拿這個速度為基準來開始彈第一小節。這樣你起頭的速度就會更理想。
附點節奏遲鈍
我所謂的「遲鈍」，指的是附點節奏的「短的那個音」，在時間上離後面的長音不夠近。這是非常常見的問題，我在我的《鋼琴技巧急診室》課程裡也有提到。
大部分的學生在看到附點節奏時，會習慣一個一個拍子單位來「讀取」，但這可能導致他們來不及心理準備下一個拍子單位的音。
比較好的方式，是將「短的那個音，與下個單位的長音」在心中視為一組。你可以想像這些音符被圈在同一個框框裡，確定大腦先把一整組都讀取完了，才下手彈奏。
你也可以刻意在一組跟一組之間做比較長的停頓，並將「一組之內」的音故意非常快速地彈奏，目的是訓練大腦習慣於這樣子的分組方式。練習一陣子習慣之後，你的附點節奏就會變得俐落，不再拖泥帶水了！
踏板問題
在整個演奏片段中，你會常常用踏板把明顯是不同和弦的音重疊在一起，這就是我們俗稱的「踏板太髒」症狀的其中一種。
解決方法也很簡單：如果你利用踏板把其中一個和弦拉長，那麼遇到下一個明顯是不同和弦的地方，你要「準時」把踏板放掉，來切除舊和弦的音。「準時」通常是指「新的和弦彈下的那一瞬間」。如果沒有這樣做，那麼新舊和弦就會重疊在一起，形成一團亂的狀態。
請一定要讀一下這篇「彈鋼琴要怎麼換踏板」的文章，來完全搞懂換踏板的流程和運作原理。
唯一的例外是，如果一個新和弦佔的時間非常短，那麼我們可能可以忽略它。比如說，如果我們有三個和弦：C、Dm、Em，其中 Dm 和弦的時間非常短，那麼我們可能就不必為了 Dm 和弦換一次踏板。
我強烈推薦你花一些時間，把好和弦的「鋼琴踏板大師班」課程全部看完並且應用到你的彈奏中，一定會讓你的踏板技巧進步很多的！
分散八度的技巧
再來看 CKC 的第二個演奏片段：
在這個片段中，也有一個可以馬上修正並獲得很大改善的問題。當你遇到像是這樣的左手分散八度，或類似的「兩音交替」音型時，其實你只需要把手放在鍵盤表面，利用前手臂微微轉動來交替重心就可以了，並不需要頻繁地把兩隻手指「本身」抬起來再彈下去。
讓我來示範正確和錯誤的動作：
這個技巧也是我在《鋼琴技巧急診室》課程中提到的重點之一。光是這樣簡單的改變，就會讓你左手的疲勞感減低非常非常多，試試看！
手腕異常地拱？
雖然影片中沒有拍到身體的部份，但我注意到你彈琴時的手腕異常地拱起，看起來很不自然、不舒服。我懷疑你是不是椅子坐太低？或是琴放得太高？
對於椅子高度，我通常會建議先調到「自然把手放到鍵盤上時，手肘底部跟白鍵表面差不多同高」的高度，當作預設值。如果有個人的偏好，再嘗試往高或低修正一點點。
這個我在《鋼琴技巧急診室》裡面也有詳細講解。所以讓我趁機業配一下，各位讀者，如果你在彈鋼琴的時候遇到一大堆奇奇怪怪的問題，真的可以考慮購買我的《鋼琴技巧急診室》，說不定可以省掉你用十幾堂鋼琴課改掉壞習慣的金錢和時間！
錄製數位鋼琴的問題
至於你問的錄製數位鋼琴的問題，通常的做法就是從數位鋼琴的 Output 或 Phones（耳機）孔用訊號線接到錄音介面就可以了。
如果會破音的話，檢查一下在錄音介面有沒有正確地調到「Line」模式。或者，可以調整一下數位鋼琴的主音量或錄音介面的 Gain 值。
正常情況下不應該有很多雜音才對。如果有雜音，建議用其他設備交叉測試一下，找出雜音的來源：
- 數位鋼琴的輸出孔是否故障？
- 訊號線是否接觸不良？
- 錄音介面是否有問題？
- 是不是電源或 USB 接孔產生了雜訊？
這些都需要實際測試才能找出原因。你可以試試看更換不同的訊號線，或者換一個插座、換一個 USB 街口，甚至換一個錄音介面來試試看。
今天的意見大概就先這樣，以上都是在所有曲子都通用的觀念，而且只要修正其中一個，你的彈奏應該就可以有很大的進步喔！期待看到你下一次的演奏！
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