歡迎來到 2025 年 3 月的好和弦會員作品評論文章！讓我們來聽好和弦會員們的厲害作品，順便一起來學些新東西吧！

歡迎繼續往下閱讀，或按以下各會員的名字，直接跳到該會員的作品：

• 🎤 知芸 編了《專屬天使》的鋼琴伴奏樂譜
• 🎻 Andy Lau 的管弦樂作品《Tatooine》
• 🎬 CKC 的兩首配樂作品
• 🎤 茉莉花茶有fafa 的歌曲《我從這裡走過》

知芸

知芸是初步開始嘗試編曲的新手。她在上個月的文章中問了一些關於開始創作的問題，我給她的挑戰是製作一首關於自彈自唱的練習；所以她送交了自己用 MuseScore 製作的《專屬天使》的自彈自唱樂譜。

以下是她的來信：

本次作業拿了流行歌《專屬天使》來編鋼琴伴奏。這次伴奏只用了一加三配置，然後作業中有一些疑問：

1. 遇到歌曲的前奏、間奏及尾奏我需要試著編嗎，還是先照抄書本上的譜就好？
2. 在這首 C 大調的歌中，卻看到了 Ab、Bb、Abadd9、Bb7 和弦，看不懂是啥。
3. 雖然是自己編的伴奏，但是無法馬上流暢地彈出來，需要練習一段時間（所以也無法自彈自唱），看到和弦代號無法及時反應彈到鋼琴上。所以有在想，是不是除了編出來，後續有需要把自己編的伴奏練熟？

按這裡下載知芸製作的 📝 PDF 樂譜。

以下是從 MuseScore 直接輸出的聲音檔案，建議你配著 PDF 樂譜聽聽看：

關於樂譜

我覺得以初學者來說，你的譜打得很漂亮！幾乎沒有記譜上的錯誤，複雜的切分節奏都有使用正確的連結線寫出來，看起來很舒服。

我注意到你的樂譜的編制是主唱（暫時用 Pan Flute 音色代替）加上鋼琴伴奏：

• 我不推薦你在主唱那一行加入「非主旋律的音」（像是我用粉紅底色標示出來的這些）；雖然我們可以從底下有沒有歌詞來推斷當下的音是否為主旋律，但這樣也太容易造成混淆。
• 而且主唱聲部也不應該有雙音（藍色圈圈標示），除非這份譜真的是要設計給可以演奏雙音的樂器。

關於鋼琴伴奏

八度音：鋼琴伴奏的左手部分，從頭到尾都彈了八度；我覺得左手用八度完全沒問題，但不一定要「從頭到尾」都一直使用。八度音會造成比較厚重的效果，建議你可以留到曲子「真的需要很厚重」的時候再用。

低音堆疊：我注意到你的右手和弦最低音，經常跟左手低音是同一個音（以上譜例中前六小節全部都是）；這會導致低音區變成三個八度同音（綠色框框），造成過於厚重的效果。嘗試更該右手的和弦的轉位，讓右手配置的最低音「不要每次」都剛好與左手低音相同。

平行跳躍：在某些和弦進行時（例如第 5-6 小節的 Em Am Dm7 G7），你的左右手會同時平行跳躍，這容易讓音樂聽起來變得呆板。建議讓右手高音維持在附近音域，這樣聽起來會更流暢。參考這篇文章中對於「Voice Leading」的討論。

第一轉位重複音：在使用三和弦第一轉位（如 G/B）時，右手重複根音或五音效果通常比重複三音來得好。

一些和弦錯誤

我對照了原始專輯（YouTube 連結），發現你寫的和弦雖然不是完全精確地與原曲相同，但也沒有太大的問題，只有兩個地方有比較明顯的錯誤。

首先，副歌出現 Ab 和 Bb 和弦的那些小節（14、18、37、41），在原曲都是 Ebmaj7 - Dm11 G。

而在 Bridge 段落的第 29 小節，你把 E7 寫成 Em7 了。這邊的 E7 是一個用來接到 Am 的副屬和弦，詳情請見這篇文章。

關於你的問題

「歌曲的前奏、間奏及尾奏我需要試著編嗎？還是先照抄書本上的譜就好？」

有何不可？當然可以嘗試自己編呀！

如果專輯中本來就是純鋼琴，或以鋼琴為主的話，可以試試看把專輯的音一五一十地抓下來，體會原編曲者的思路。如果是多樂器的編曲，可以抓出主旋律與和弦，然後用簡單的伴奏（例如理查克萊德曼伴奏法）寫成鋼琴獨奏譜。

像是這首《專屬天使》的前奏最一開始幾乎是純鋼琴的，所以可以直接把所有原始的音寫出來；第三小節之後進入了多樣樂器，我們就可以把主要的旋律樂器（電吉他）放在右手，左手則自己編簡單的伴奏。

聽聽看原曲的前四小節：

那我們就可以編成這樣：

值得注意的是，「書本上寫的譜」不一定是對的。原版專輯才是最可靠的參考來源。

「在這首 C 大調的歌中，卻看到了 Ab、Bb、Abadd9、Bb7 和弦，看不懂是啥。」

首先，《專屬天使》中其實並沒有出現 Ab、Bb、Abadd2 與 Bb7 這些和弦。如同前面說的，在原專輯中相關小節的和弦進行其實是 Ebmaj7 - Dm11 G。

也許你參考的是不同版本的編曲，或者你參考書籍的和弦寫錯了。

但就這個問題的本質而言：為什麼在 C 大調中也會出現一些「不是 C 大調的東西」呢？這其實是很常見的現象，我們叫做「借用和弦」（borrowed chord），我有做過影片介紹，請參考這個連結。

而如果在 C 大調中真的出現了 Ab Bb C 的進行的話，那麼這可能是我也曾經介紹過的「瑪莉歐終止式」，請參閱這部影片。

「是不是除了編出來，後續有需要把自己編的伴奏練熟？」

當然囉！

能夠一看到和弦代號就彈出來的人，並不是因為「頭腦中可以很快地運算和弦代號」，而是因為他們已經練習過這些和弦數百次、數千次，形成了肌肉記憶和直覺反應。

編好譜之後，當然要反覆練習自己寫的譜，直到能夠順暢演奏的狀態。這會讓你對曲子中用到的和弦變得越來越熟悉，也會逐漸內化和弦的手型和邏輯，最後就可以達到一看到和弦代號就能即時反應的程度。

需要一些些時間和耐心，但其實每天都固定練習的話，只要幾週就可以看到很大的進步了！

總結

以第一個鋼琴伴奏編曲來說，你的作品已經非常好了！建議你再花一些時間完善它，然後把它練習到「可以在朋友面前演出」的程度，這樣對於編曲和鋼琴技巧的提升都會很有幫助的。

期待你的下一個作品！

Andy Lau

Andy Lau 這個月送交的是一首標題為《Tatooine》的管弦樂曲。他來信寫：

這是 3 月的作品，個人覺得這個月的作品編得有點不夠豐富。

還有有些之前的問題：一個 note 的音量和控制 Dynamic/Modulation 之類能改變音量的控制，那一個應該優先考慮？像 Logic pro 本身的 velocity，但是音色庫又有 Modulation/Expression 之類的。

先來聽聽 Andy Lau 的完整作品：

關於 Velocity、Mod Wheel 和 Expression

我覺得你的作品聽起來已經很不錯！我覺得技術上最有改善空間的地方，的確就是你說的音量控制，或整體音樂表現力的問題。

許多編曲學生都對 Velocity、Mod Wheel、Expression 等等的控制機制感到一頭霧水，但這些東西在虛擬管弦樂的世界中超級重要！要做出真實且有表現力的管弦樂作品，一定要對這些控制參數有完全的理解。所以這個月讓我們專注在這個問題吧！

讓我先簡短解釋一下這些名詞：

• Velocity：指的是音符的力度，每一個音符只能有一個力度值。當你在 MIDI 鍵盤上彈奏一個音符時，彈奏的力度會被記錄為一個 Velocity 數值（通常範圍是 1-127）；一旦音符被觸發，它的 Velocity 值就不能改變了，這一點非常重要！
• Mod Wheel（Modulation Wheel）：是指 MIDI 鍵盤左邊的可以上下滾動的控制器；它的 MIDI 控制器編號（Control Change）是 1。與 Velocity 不同，Mod Wheel 可以在音符發聲後持續調整；至於 Mod Wheel 是用來調整什麼，則根據每個音色庫的設定而定。
• Expression：是指另一個常用的 MIDI 控制器，編號是 11，常常用來控制演奏表情或音量。它也可以讓你在音符的持續過程中進行調整。
• Volume：其實還有另一個你沒提到的常用 MIDI 控制器，編號 7 號，通常也可以用來控制音量。一般的使用習慣是，使用 Volume 來調整樂器的「基礎音量」，而使用 Expression 來調整演奏時不斷變化的「音量表情」。

音色庫的控制機制

當你在考量到底該用什麼方式控制樂器的力度或音量時，首先要先搞清楚，你正在使用的音色庫到底有哪些控制聲音的管道？而各種管道控制的到底聲音的什麼面向？

這在每一個音色庫都不一樣。有一些音色庫在彈奏不同力度（Velocity）時，會產生不同亮度的音色；有些音色庫則是設計成不論彈奏什麼力度都不影響音色，而完全採用其他管道來控制。

用 Velocity 控制音色的音色庫

以我常用的 EastWest Symphonic Orchestra 音色庫為例，它就是典型的「彈奏不同力度會產生不同亮度音色」的音色庫：

• 當用較大的 Velocity 值彈奏時，聲音會變得更明亮、銳利，就像真實演奏者「用力演奏」時產生的效果。
• 當用較小的 Velocity 值彈奏時，聲音會變得比較柔和、暗淡。

讓我示範用較小和較大的 Velocity，彈奏同一個小號音色，聽聽看：

這種設計的缺點是，一旦一個音被彈下去，它的「亮度」就是固定的了，無法在音符持續期間改變。這表示：

• 如果我一開始彈奏的 Velocity 較小，產生了一個柔和、暗淡的聲音，那麼後續我只能透過 Expression 控制器去改變它的「音量」，讓這個柔和的聲音變大聲或變小聲，但無法讓它變得更明亮、銳利。聽起來像是這樣子：

• 反過來說，如果我一開始彈奏的 Velocity 較大，產生了一個明亮銳利的聲音，那麼我後續就只能用 Expression 讓這個明亮的聲音變大聲或變小聲，但無法讓它轉為柔和的音色。聽起來像是這樣子：

用 Mod Wheel 控制音色的音色庫

而同為 EastWest 出品的另一個音色庫 Hollywood Orchestra，就是「彈奏力度完全不影響音色和音量」的例子：

• 在 Hollywood Orchestra 的許多預設音色中，Velocity 完全沒有作用。
• 要控制亮度，必須要使用 Mod Wheel 控制器。
• 要控制音量，則要使用 Expression 控制器。

這樣控制看似比較麻煩，但其實有很大的優勢。因為音色完全是使用 Mod Wheel 來控制，所以我在聲音已經發出之後，還可以使用 Mod Wheel 來不斷改變聲音的亮度，就像是真實樂器演奏時的漸強漸弱一樣。

讓我示範演奏小號音色，在音符發出之後改變亮度：

也有其他的控制可能

除了以上兩種配置之外，其他的音色庫也可能採用不同的控制策略。

可能有些音色庫，是用 Expression 在同時控制亮度和音量，而使用 Mod Wheel 控制其他的面向（例如抖音的幅度）。

有些音色庫甚至更複雜。例如使用 Velocity 控制音的開頭特性、Mod Wheel 控制抖音幅度、Expression 控制音量和亮度，然後再加上其他 CC 控制器控制演奏的其他面向。

所以要怎麼控制？

回到你最一開始的問題，到底應該優先考慮哪一種控制方式呢？答案是不一定。但我推薦思考時，問自己以下的問題：

• 「如果是真的演奏者來演奏，他會在這個音很用力嗎？」：如果是的話，根據你的音色庫的控制方式，把「會讓聲音變亮」的控制器調大（不論是用 Velocity、Mod Wheel 或 Expression）

• 「如果是真的演奏者來演奏，這個音的持續過程中會有什麼變化？」：真人演奏者在持續一個長音時，很少會保持完全相同的力度和音色；這表示你可能需要在音符持續期間調整 Mod Wheel 或 Expression 等控制器，讓音符不要「呆呆的」。

  （小秘訣：光是用 Expression 修飾一下音符的開頭和結尾，讓它不要突然開始、突然結束，也許就能讓你作品的聽感大大改善！）

• 「這個樂器在整體混音中應該要多大聲？」：根據你的音色庫的控制方式，調成適當的音量。你可以用 Volume（CC #7）或編曲軟體本身的混音器來設定基礎音量，使用 Expression（CC #11）做更細膩的音量變化；同時也要注意，音色的「亮度」也可能影響聽起來的音量。

特別要注意的是：跟真實管弦樂團不同，在電腦音樂當中，音色和音量是可以分開控制的兩個維度。你必須知道你想要的到底是「亮一點」還是「大聲一點」，這兩者有很大的不同！

示範：小號旋律

以曲子最開頭的小號旋律為例，在你的作品中，小號的全部的音都是拉長的、沒有任何呼吸時間；音符拉長的期間也沒有明顯的音量變化；音的開頭和結束都比較突然一點。一個人類小號手不太可能像這樣子演奏，聽聽看：

如果我們給它一些呼吸的空間，並在每句句尾用 Mod Wheel 漸弱，加上當旋律往上到高音 F 時漸強，整句的感覺就會人性化許多：

長期的進步方式

如同我一開始說的，你的作品目前比較缺乏的是演奏上的表現力，除了前面所說的音量、音色變化之外，也包含了選擇正確的演奏法和音符長度。我想有幾個長期進步的努力方向：

• 多聽真正的管弦樂錄音：透過多聽音樂，你會漸漸熟悉各種樂器在各種演奏方式下的聲音特性。我們的目標是讓這些對聲音的印象在頭腦中形成一個「參考資料庫」，所以你在製作音樂時，可以先在頭腦中聽到想要的聲音，然後再去尋找做出它的技術手段。
• 多練鋼琴：把鋼琴練得更好，就可以讓你在編曲時更常使用「現場演奏」的方式來輸入音符；這樣自然就可以得到更好的 Velocity 數值，以及捕捉到用滑鼠調不出來的細微時間差，要是能連 Mod Wheel 和 Expression 都現場演奏就更好了！如果你的目標是製作管弦樂音樂，那麼多練習古典曲目會非常非常有幫助！
• 多跟你的音色庫相處：每個音色庫的設計理念和控制手感都不一樣，多花點時間去熟悉每一個設定檔（Patch）的特性，了解哪一個音色應該被用在什麼情境；去讀音色庫的官方說明文件，也許有很多你該知道但還不知道的功能。

大約就是這樣子，希望以上的建議對你有幫助。期待你的下一個作品！

CKC

CKC 這次帶來了兩首短短的配樂作品。他來信寫：

這次交了兩首作品：第一首是遊戲類 BGM，第二首是跟上一次交的日式風格配樂類似，也是很早之前寫的作品。

另外想請教老師關於用電腦音色庫做出比較接近真實管弦樂的問題：

• 老師上一次提到要做很多的調整，但我不太知道在音色庫裡應該調整什麼
• 老師能說明一下，在電腦上製作管弦樂時比較需要注意的東西嗎？比如音色庫裡某些數值之類

謝謝！

我先回答關於「做管弦樂時要調整什麼」的問題，如果要簡單總結的話，最重要的可能是：

• 音色：就算同樣是小提琴，也有許多不同的音色庫；同一個音色庫裡面可能也有多個選項。你可以思考：這裡應該用 11 支小提琴齊奏的龐大音色嗎？還是 4 支小提琴的室內樂團感？或是獨奏小提琴？
• 演奏法：要選擇有抖音（vibrato）還是不抖音的呢？音符開頭要不要有強音（accent）？圓滑（legato）還是不圓滑？還是要撥弦（pizzicato）？
• 力度：我們可能會用 Velocity、Mod Wheel 或 Expression（或三者的組合）來控制演奏的「力度」；這點我在前面 Andy Lau 作品的段落中已經做了詳盡的回答，歡迎捲上去閱讀喔！
• 音量：「這個樂器」以「這個力度」演奏時，在真正的管弦樂團裡應該聽起來多大聲？例如，即使是兩個同樣都用 forte（強）力度演奏的音符，小提琴和小號的實際音量也有很大差異。把每一個樂器音軌的音量調到合理的程度。
• 殘響：這在混搭多個音色庫時尤其重要。因為不同音色庫的取樣錄音空間不同，有些已經包含了很多自然殘響（reverb），有些則非常乾淨。我們有時會需要額外使用殘響效果器，來讓所有樂器聽起來像是在同一個空間裡演奏。

注意以上我都沒有給你「應該把某個參數調整到某個確切數值」的建議，因為這完全是看當下情況決定的。而培養對「正確聲音」的感覺的最好方法，就是參考別人製作的專輯，以及有機會的話去聽真人管弦樂團的現場演出。

作品 1

先聽聽看 CKC 的作品 1：

0:00-0:39 的純合唱片段我覺得寫得滿好的，沒有明顯的和聲問題；0:21 開始出現的鐘琴，加入時機也很適當。

我注意到的兩個小小的問題是：

• 整齊度：合唱團各聲部的音符好像有時不太整齊。我並不是說你需要全部對得很準或量化（quantize），但如果聽感上有明顯不整齊的現象，可以手動修一下 MIDI 音符的時間。

• 力度：對於第一段的音樂風格來說，合唱團的力度似乎太大了，好像可以柔和一點。根據你的音色庫而定，可能要透過 velocity 或 mod wheel 或 expression 來調整。

用不同力度演奏，感覺是會差很多的喔！我來示範用合唱團音色，以不同力度唱同一個句子（我要吃蛋餅），就算是音量調得很相似，還是會有完全不同的感覺。以下音樂例子是先力度大，後力度小：

0:39-1:01 段落加入了節奏非常快的低音旋律和鼓節奏。我大概可以體會你這段想要追求的感覺，不過目前的狀態沒有很成功：

• 打擊樂音色選擇：我覺得選用低音 toms 有點太低沉、太模糊了，再加上節奏又極快，使得整體聽起來很像一片雜亂的聲音，非常難聽懂節奏。雪上加霜地，這一段跟前段速度又不同，造成一進入這一段的瞬間，聽眾可能會有短暫無法適應的感覺。

• 節奏比例：如果把合唱團的音當作四分音符，那麼新加入的鼓和低音旋律是 32 分音符。這有可能會顯得兩者的步調不太搭配；也就是合唱團很悠閒，但下面的鼓和低音旋律卻超級忙碌的感覺。

  我覺得這樣大的節奏比例「不一定」是個問題，也許把鼓節奏換成另一個 Loop，或者是整體速度慢那麼一點點，也許就不會有這種感覺了。

如果我把剛才的「我要吃蛋餅」合唱團句子，加入超快速的低音 toms 節奏，聽起來會很模糊：

但如果換成比較現代的 Drum and Bass 節奏、合成器 Bass 和快速音符，好像就還好：

1:01 以後的第三段，配器上跟第一段類似。要注意是不是有時候某個音符會太突出，例如 1:05 時合唱團的 B4 音。聽到這樣的現象時，利用前述的控制音量或力度的方式，把它修得自然一點。

作品 2

接下來是作品 2：

這是一個比較抽象、自由的作品，所以我只能給你一些聆聽的回饋。

如果想要增強「滄桑感」，我覺得可以考慮使用獨奏弦樂音色，尤其是在前半段（0:47 和弦出現之前）時。特別是考慮到你已經使用了獨奏的尺八和笙，使用獨奏弦樂會在音色質感上更統一。

比較一下，我先播放原曲的弦樂合奏音色，然後接著換成小提琴獨奏：

另外，我覺得第一句結束後（0:07）的空白好像真的太久了。當然，如果這是作為配樂使用，也許是為了配合畫面，這樣的話這個空白就是合理的。

最後，0:45 處的尺八，在初次聆聽時，讓我有它太晚出來的感覺。（這只是我的感覺，也許這是你的刻意設計）

希望以上的建議有幫助到你囉！

茉莉花茶有fafa

茉莉花茶有fafa（小紅書）提交了一首歌曲《我從這裡走過》。她來信寫：

這次的作品是幾年之前提交過的一首小清新的歌曲《我從這裡走過》。

最近在整理之前寫過的東西，想修改一下然後正式錄音發到網絡上。這首歌根據老師上一次的意見做了一些改動，想聽聽老師這一次是什麼感受。最近一年認識了不少新朋友，歌裡小提琴和 vocal 都是朋友給錄的，我有點不太曉得該怎樣調混音。

上次老師有一個建議是感覺歌裡面的樂器職責分配不明顯，我這次試圖把每個樂器都劃分了一下音區，不知道聽起來會不會好一些。不知道為什麼就很想把這首歌做成鋼琴、大提琴、小提琴的配置😂，所以沒有改成純鋼琴伴奏……

讓我們來先聽聽這首《我從這裡走過》吧：

首先，我覺得整首歌寫得很好！前奏滿可愛、有創意，主唱唱得很棒；整體的旋律、和聲、段落安排都很不錯！以下是我的一些讓你的作品更完善的建議。

鋼琴伴奏

0:20 開始的鋼琴「碰恰恰」伴奏，我個人覺得低音跟高音的距離太遠了，會有點中空感。並不是說不可以這樣寫，但我建議你可以多考慮看看距離的問題，嘗試幾種替代方案再挑選你最喜歡的。

• 如果「恰」滿高，那麼一般來說我的「碰」不會想要很低（譜例左）
• 如果「恰」很高，「碰」很低，而且「碰」還是八度的話，會給人一種笨重感（譜例中）
• 以一般鋼琴伴奏來說，「恰」最安全的區域大概是中央 C 上下六度左右（Eb3 到 A4）；一旦「恰」放在這裡，那麼即使「碰」有點低也沒有關係。（譜例右）

鋼琴踏板技巧

在你的作品中，我注意到鋼琴有多處的換踏板不太乾淨（或可能根本沒有換踏板）。例如：

• 0:22 處從 Eb 接 F 和弦時，前一個小節還有殘留物
• 0:35 進入 F 和弦時也有類似問題
• 0:41 進入 Gm 和弦時也是一樣

後續就不一一舉例，但整首曲子中還滿頻繁有這個問題的。請看我免費的《鋼琴踏板大師班》課程文章和影片，尤其是「如何換踏板」那一篇，來改善鋼琴踏板技巧。這會很大地影響整體聲音表現喔！

一個和聲 bug

在 2:02-2:08 處，主唱的旋律先從 C 解決到 Bb，但其他樂器還掛在 C 一陣子，後續才陸續解決到 Bb。雖然我想這應該是你的刻意設計，但身為聽眾，尤其是初次聆聽時，會覺得這裡好像演奏或編曲出問題了。

爵士鼓節奏

1:04 處的鼓過門節奏不太準。

1:06 開始的鼓節奏，目前是採用「第一拍小鼓邊、第四拍小鼓、其他拍子 Hi-hat」的模式，我覺得不太像正常爵士鼓的用法。我會建議考慮改成包含大鼓（Bass Drum）的節奏模式。

怎麼用大提琴？

因為大提琴是低音可以往下到 C2 音的樂器，它「有可能」可以成為全部聲部的最低音。在編曲的時候，你需要明確決定到底是誰要當那個「全部聲部的最低音」。

• 如果鋼琴左手當最低音：那麼避免把大提琴寫在鋼琴左手的音域附近（而且走向還跟鋼琴不一樣）。
• 如果大提琴要當最低音：那麼鋼琴左手就不要去打擾那個音域。
• 如果兩個都要當最低音：那麼就要確保兩個樂器演奏的音符是一樣的。

你在 1:54 開始的段落，就是以鋼琴左手當低音，而把大提琴寫在中央 C 附近，我覺得這樣的寫法就不錯。

而在 2:26 開始的這一段，大提琴就寫得比較低，與鋼琴左手音域相近；但因為兩個樂器的低音並不完全相同，造成了有時候「打架」的狀況。

配器建議

或者，除了鋼琴或大提琴當作最低音之外，其實我更推薦一個方式：加入電貝斯。

既然你從 1:04 開始都已經有爵士鼓了，那麼同時加個電貝斯進來也不會奇怪；這在流行音樂編曲中是很自然的選擇。

有了電貝斯承擔低音後，鋼琴就可以專心演奏中高音域的和弦，大提琴也可以集中在比較高的區域（大概中央 C 上下六到八度的位置）。

示範

讓我來試試看重作一小段，在原曲的 1:04 處，原始聽起來像是這樣子的：

如果我照前面的建議改變鼓節奏、加入電貝斯、把鋼琴專注在中高音域、大提琴音域維持在中央 C 周圍，聽起來可以變成這樣子：

關於混音

關於混音，我是覺得目前整體偏乾了一點。不過以目前階段來說，我會建議先專注在上述的配器、編曲、音域分配以及改善演奏技巧等等的事情；做這些「音樂上」的調整，幫助可能會比「混音上」的調整大得多。

希望以上建議有幫助到你囉！

感謝閱讀

以上就是本月的會員作品評論，希望這些討論對你有幫助！

如果你已經是「增和弦」等級的會員（目前似乎額滿中），想要參加每個月的會員作品評論的話，記得在每個月的 14 日以前，將作品公開連結寄到 wiwikuan@fastmail.com 和 wiwikuan@pm.me，這樣就可以出現在下期文章中囉！

喜歡這樣的文章嗎？

如果覺得我的文章和影片對你有幫助，希望你可以藉由購買我的《鋼琴技巧急診室》和《即興幼幼班》課程、《古典加料站》伴奏音樂、實體書、大包裝、加入頻道會員，或至少在社群媒體分享這篇文章，以實際行動來幫助好和弦的持續運作。謝謝你！

不想錯過好和弦的最新作品和教學的話，請用 RSS（那是什麼？）訂閱好和弦，或是與好和弦透過 E-mail 保持聯絡。想要建議文章或影片主題的話，也歡迎直接寫信到 wiwikuan@fastmail.com。