我的人生從大約六歲開始學鋼琴，一直到我音樂系碩士班畢業，大概也上過將近二十年的鋼琴課了，在這期間我遇過非常多的老師，每個老師都會用盡全力地，盡量讓我理解他想要傳達給我的東西，不過在整個學習過程當中，我還是有遇到無數次「我真的聽不懂老師想要我幹嘛」的情況。

其實這個也不能說是老師的錯還是學生的錯啦！就是老師敘述一件事情所使用的語言、用詞，跟學生理解的有差異；或者是雙方都沒有辦法精確地說出自己心中的感覺是什麼，或者是說不清楚要如何彈才能造成那種感覺。

所以我就在 Instagram 上面問大家，你的鋼琴老師講過的，最讓你聽不懂的話是什麼。我收到了超級多回應，今天要在這邊跟你分享，也許嘗試幫你翻譯其中一些的意思，那我們現在就開始吧！

老師說：「樂句要呼吸」

「樂句要呼吸」這個用詞是超級常見的，很多老師都喜歡用這個字，但是學生常常都聽不懂：「啊我就在呼吸呀，是要吸什麼」。我對這句話的翻譯是：

【樂句要呼吸】

你的音的大小聲和時間差，要合乎樂曲的分組邏輯。

假設你是吹管樂或唱歌的人，你都一定需要呼吸換氣嘛，那個呼吸的時間點一定需要被放在合邏輯的位置；彈鋼琴的人，在物理上不需要換氣，就能夠讓音一直彈出來，但是「把音分組成有邏輯的樣子」（也就是讓它感覺上像是在呼吸換氣），是非常重要的。

我之前有做過一部影片標題叫「音符的心理分組」，就是在講教你如何在鋼琴上面彈得像是有在呼吸、有在換氣的感覺。 

我在那一部影片裡面說，其實所謂的換氣或是分組，不一定是要把音整個斷掉。有的時候你 a) 在一組的最後一個音漸弱，或是 b) 在新的一組的開頭彈強一點點或是 c) 時間延後一點點，也可以達到分組，也就是有呼吸的效果。

以這一首很有名的蕭邦夜曲當例子的話，主旋律的第一小句/小組（看你想要怎麼稱呼它都可以），應該是 Bb-G-F-G-F-Eb，也就是 Eb 是這一句的最後一個音。簡單的做法就是把這個 Eb 彈弱一點點，然後它的後面一個音 Bb 就是新的一組的開頭嘛，那我們就把 Bb 彈稍微強一點點，然後也許也延後一點點，就會聽起來像是你有一個呼吸了。

很多初學者會把明明應該是第一組最後一個音的 Eb 彈太大聲，當這個 Eb 太大聲的時候，它就會聽起來很像是第二組的開頭，而不是第一組的結束，這樣你的「呼吸」就是不太合邏輯了。 

老師說：「彈到底又不破」

如果你是一個男生，在彈鋼琴的時候，你很少很少會需要用到你百分之百的力氣彈，如果你過度用力的話，尤其是在比較便宜的鋼琴上，音色應該都會很難聽。 所以這句話的翻譯是：

【彈到底又不破】

你過度用力了，用中等偏大的力量彈就好。

還有幾個我覺得都是很類似的：

通常當鋼琴老師說要「更深一點」的時候，很多學生都會很疑惑：「啊我都已經彈到底了啊，鋼琴鍵按下去就一公分而已，是可以彈多深？」 

其實當他們說「更深一點」的時候，常常他們的想要的都是「按住鍵盤的時間更長一點」。很多學生遇到和弦換很快，或是即將要移動比較遠的時候，都常常會手點鍵盤一下下就拿走，造成音太短，聽起來就虛虛的。所以對於以上這些，我的翻譯都是：

【更深一點、你彈得好虛、音要飽滿、聲音要 focus 不要散掉⋯⋯】

你彈得不夠用力而且不夠長。你應該用「中等偏大」的力量彈，然後手不要點一下就拿走。

其實你就是每一個音都在鍵盤上面多待個零點零幾秒，它聽起來就不會覺得不夠深、虛虛的了。 

老師說：「要用內力去彈」

我覺得這個意思應該跟上面兩個都很像，就是：

【用內力去彈】

你的力度要中等，然後手按住鍵盤的時間要夠長。

不過我覺得如果你是要教別人鋼琴的話，「內力」這個用詞不是很好啦，很容易造成學生頭上有問號。

老師說：「這裡要安靜一點！不是小聲哦！」

這個真的蠻難懂的，我的解讀是「安靜」是一種感覺，「小聲」是一種物理上的客觀事實。要怎麼樣更安靜但是物理上不要變小聲，我能想到的可能只有用左踏板，或者是速度彈慢一點點吧。 

不過話說回來我覺得，你的老師這樣說的時候，她還是是叫你要小聲的意思拉，至少其中某一些音樂小聲，可能只是因爲她覺得小聲這個詞聽起來太沒有深度了。

【這裡要安靜一點！不是小聲哦！】

就是叫你要小聲的意思啦！（至少其中某一些音）

老師說：「弱但是要有力度」

我覺得這個翻譯跟之前幾個也很像：

【弱但是要有力度】

彈中等的力度就好，然後也許音也不要太短。

我發現很多鋼琴老師，好像都會刻意避免使用「大聲」跟「小聲」這兩個字耶，然後就會出現一些聽起來很難懂的話，例如說：「我是要你有力度但不是大聲」，或是「我是要你安靜但不是小聲」。

其實就鋼琴的構造而言，彈鋼琴的人能控制的真的就是只有琴鍵按下去的速度而已；所謂的「力度、柔和、清脆、寬闊」等等的感覺，真的就是跟每一個音的大聲跟小聲有直接的關係。

我之前有做過一個影片叫做「為什麼厲害的人彈同一個和弦，就是比你好聽」，教你如何調配各種大小聲的比例，去造成各種感覺，有彈鋼琴的人可以去看看喔！ 

老師說：「要讓聲音傳到更遠的地方」

這個又是一個鋼琴老師不喜歡用「大聲」這個字的好例子。

聲音的傳播，至少在室外的話是根據平方反比定律（Inverse-square law），距離每增加一倍就會減少 6 分貝，而空氣的溼度跟溫度也會影響傳播；但是那個都是在你控制範圍外，所以你唯一可以做的事就是「大聲一點」。

【讓聲音傳到更遠的地方】

彈大聲一點。

但是我猜接下來那個老師一定就會說：「我是說要讓聲音傳更遠！但是不是大聲哦！」遇到這種就很頭痛了。

老師說：「唱多一點」

鋼琴是一個很容易突然忽大忽小聲的樂器，如果你的旋律音量不穩定或是稍微不夠大聲的話，就不會有那種很多古典音樂追求的、那種類似聲樂家在唱歌的那種 fu 了，有的時候稍微加一點點踏板，讓琴弦有多一點共振，會更有「唱」的感覺哦！

【唱多一點】

把旋律的每一個音都彈至少中等大聲，而且音量要穩定，音跟音也許要有一點點重疊，可能還要有一點點踏板。

老師說：「要更有情感一點、表情要多一點、更有音樂性一點」

我覺得「有情感、有音樂性」這件事情滿複雜，並不是你只改變一兩個特定的事情就可以改善的，但是我覺得很多學生彈起來很冷感、看起來好像沒在 care 的原因不外乎就是他們的「音量、音的長短、時間差、速度」等等事情，沒有根據曲子的內容做變化。

【更有情感、有表情、更有音樂性一點】

要去了解曲子。彈琴時的音量、音的長短、時間差、速度等等事情，要根據曲子的內容做變化。

這個問題主要還是歸咎於「樂理不好、看不懂曲子在寫什麼」。例如說看不出哪一個和弦比較緊張拉，搞不懂哪一個音是和聲外音拉，哪一個音跟哪一個音是同一個聲部拉，哪一個音是句尾哪一個音是開頭等等的。

與其用「放感情、音樂性」這兩個字眼，我還是更喜歡說要「理解曲子」拉。不然學生會自以爲她只要假裝「放感情」，臉部表情很多，身體扭來扭去，或者是隨機變快變慢，別人就會覺得有音樂性，並不會。

老師說：「更黏一點」或「更顆粒一點」

這個是常見用語。翻譯是：

【更黏一點】

把音跟音之間的重疊時間變長。

【更顆粒一點】

音跟音之間不要重疊，或甚至有一點點空隙。

我有一部影片叫做：「為什麼厲害的人彈同一串音，聽起來就是比你清楚？」，整部影片就是在討論更黏一點或是更顆粒一點的問題，你如果還沒看過的話等一下一定要去看看喔！ 

老師說：「要有色彩變化」

這句話我超級常聽到古典音樂人說，我後來去揣摩他們的意思，他們應該只是在說：

【這裡要有色彩變化】

這裡有一個特殊、不正常的和弦，你要把它彈清楚，也許彈特別強或是特別弱，或甚至停頓一小下。

繼續拿前面說過的蕭邦夜曲當例子，第二段這邊有一個平常應該不太會出現的 Abm 和弦，如果你就這樣彈過去什麼都不特別做，聽起來就會沒有「色彩變化」。

但是如果你有發現這邊這個 Abm 和弦是一個借用和弦，它平常不應該出現在現在這個調的，所以你決定把它特別彈小聲一點，然後也突然慢下來一點點，觀眾就可以感覺得出你這邊有「色彩變化」，白話的來說就是，你有多花一點點心思來特別強調這個和弦的不尋常。

老師說：「沒有展現動態範圍」

這個用詞其實是（少數的）很精確很科學的講法。

動態範圍，或是英文叫 dynamic range，就是在講小聲跟大聲的差距有多少。所以「沒有展現動態範圍」的意思，就是在說你的「所有音的音量都太接近了」。

【沒有展現動態範圍】

你的所有音音量都太接近了。

這個並不是說要你改成忽大忽小聲，而是你要知道哪些音應該要大聲、哪些應該要小聲。你可以看之前的「10 種程度的音量控制技巧」的影片，裡面我有提到很多重要的音量控制技術的練習方法喔！ 

來看一些比較奇葩的

這些我也不知道是什麼意思：

• 音階要拉得有螺旋狀
• 我要的是藍色，不要給我橘色
• 這裡要有哭的聲音
• 要把人彈進去
• 按下琴鍵抖動會有不同音色
• 再哈密瓜一點
• 更「掃地」一點
• ⋯⋯

結論：你們高興就好

當然我覺得鋼琴老師們，都是很努力地要傳達感覺給學生知道啦！每個學生的生長環境、思考模式都不同，要讓學生去體會一種感覺，我們需要對每個學生使用的敘述方式可能都不一樣，有的時候乍看之下超荒謬的用詞，搞不好某些學生就很有共鳴。

反過來說，好和弦頻道做這麼久的音樂教學，也是想推廣一個觀念，就是音樂其實是一個很理性的東西；很多音樂上的「感覺」，其實都是可以用音量大小、頻率高低、時間長短、和聲理論、樂曲結構之類的，很具體很科學的用語來敘述的。

所以，我也是要建議所有學音樂的人，如果你聽到一段音樂覺得很好聽，或是給你一個特別的感覺，你一定要認真去研究一下到底是爲什麼，然後嘗試看看能不能用很具體明確科學的用語敘述出來。這樣如果有一天你當老師的話，你學生才不會一頭霧水阿！